Ciné-Fil - Page 2 sur 8 - Chroniques de cinéma de Jacques Deruelle

Pas son genre

3 juin 2014 par Jacques

Réalisé par Lucas Belvaux

Avec Emilie Dequenne, Loïc Corbery, Sandra Nkake…

Le sentiment amoureux partagé peut-il, de sa seule force triompher des différences sociales pour engendrer une union durable? En unissant un grand bourgeois à sa femme de ménage espagnole, le film de Philippe Le Guay, les femmes du 6ème étage (https://www.cine-fil.com/les-femmes-du-6eme-etage/) tranchait en faveur de la fable et de l’utopie souriante. Sur un mode plus nuancé et plus grave, pas son genre de Lucas Belvaux approfondit le sujet en suivant pas à pas l’élaboration d’un tandem amoureux singulier des contraires par la naissance, l’éducation et le bagage culturel.

Domicilié au cœur même du très huppé Saint-Germain-des-Près, prenant son café matinal aux deux magots dans le plus pure tradition littéraire, prisant les soirées à l’opéra, les vernissages ou les rendez vous chez son éditeur, Clément (Loïc Corbery) jeune professeur de philosophie reçoit comme une punition son affectation pour un an dans un Lycée d’Arras si loin de Paris, sa culture, sa créativité et la source principale de son élan vital.

Mais il parvient à tromper l’ennui durant les trois journées hebdomadaires d’exil forcé dans la capitale si magnifique du Pas de Calais, grâce à Jennifer (Emilie Dequenne), coiffeuse au dynamisme professionnel, particulièrement séduisante, invitée un soir au café puis au cinéma. Dotée d’un esprit vif, elle est, en habits colorés, loquace, positive, fière d’une profession qui tisse des liens et peut redonner confiance en changeant un visage, fan d’une actrice américaine de télévision, et d’Anna Gavalda, elle pratique en discothèque, un numéro de karaoké brillant et apprécié avec deux copines en robes paillettes. Passionné des grands auteurs, il se distingue en n’ayant pas de télévision, revendique l’irréductibilité de la pensée par la philosophie, lit Dostoïevski en buvant son thé, publie chez Grasset des ouvrages à succès sur l’Éros. Il la trouve belle, elle se revendique jolie, il lui trouve des raisonnements kantiens et lui offre « critique de la raison pure », elle l’invite en boîte de nuit pour se défouler, une pratique étrangère à son mode de vie. Au premier temps de cette idylle, chacun partage heureux, le territoire de l’autre et l’art même prend sa place dans le couple, la lecture à voix haute de textes majeurs signés Proust, Zola ou Giono parachevant l’élan de la séduction.

Le métier qualifiant socialement, ce compagnonnage amoureux a t-il vocation à perdurer dans le seul espace temps provincial? Pour tenter de répondre, le regard du cinéaste se fait plus précis, scrutant les intentions de chacun à travers les comportements. Jennifer mère d’un bambin aimé, veut poser les jalons d’une liaison durable profonde, mais Clément esquive la demande de prise en charge avec un art consommé de la dialectique: « tu m’emmèneras à Paris? »… « tu n’y es jamais allé? » Face aux questions cruciales, ses silences nombreux sont aussi éloquents: en promenade touristique sur la grand place en plein carnaval, deux couples se croisent, Hélène prof de philosophie présente son mari architecte à son collègue qui lui reste coi aux côtés de son amie. Accepter de nommer l’autre, le qualifier par rapport à soi, c’est l’assumer. Or Clément ne croit pas au couple qui serait l’ennemi de sa propre liberté. On peine à imaginer alors, la rencontre entre l’adorable coiffeuse et les parents grands bourgeois de Clément qu’elle appelle chaton, un sobriquet bien choisi mais qui ferait tâche dans les salons parisiens.

Car l’homme, charmant, demeure au fond toujours insaisissable. Attaché à sa bulle dorée, il n’a à ce jour découvert le monde qu’à travers les livres, sans prendre de risques. La spéculation intellectuelle est une forme narcissique d’auto-protection: A un élève pressé qui regarde sa montre, le professeur développe une impressionnante diatribe sur le décompte du temps qui rapproche de la mort pour s’entendre rappelé à la prosaïque réalité: une montre ça donne l’heure! Jennifer vit au rythme du temps court de l’action capable de trancher une relation bancale, Clément, à celui long des intellectuels en recul permanent vis à vis de leurs émotions, frôlant parfois l’indécision. Tout l’enjeu du film est de savoir si l’amant parviendra à s’affranchir du conditionnement de son milieu familial et culturel. « Ce qui compte, n’est pas ce qu’on a fait de nous mais ce que nous faisons de ce qu’on a fait de nous » écrivait Jan Paul Sartre dans l’être et le néant. Est-ce dans le but de se faire pardonner de ses manques que le philosophe secoué par les injonctions de la jeune femme lassée des postures dilatoires, guette un soir sa sortie du salon de coiffure, un bouquet de roses à la main!

Le jeu brillant des deux comédiens forme l’atout maître de cette intrigue sentimentale subtile et complexe. Loïc Corbery personnifie un élégant bourreau des cœurs drapé d’une aura philosophique identitaire dont il peine à sortir. Emilie Dequenne incarne une soif de vivre sincère et décomplexée que le jeu amoureux de plus privilégié qu’elle ne parvient pas à duper et qui en tire les leçons. Au cours de trois séquences à peine codées, le réalisateur prend plaisir à filmer intensément Jennifer interprétant « you can’t hurry love », « caresse moi » et « I will survive »: un récital d’un enchantement divin!

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The homesman

24 mai 2014 par Jacques

Réalisé par Tommy Lee Jones

Avec Tommy Lee Jones, Hilary Swank, John Lithgow, Grace Gummer, Meryl Streep…

Les vastes plaines du Nebraska écrasées sous le blizzard en hiver et la canicule en été n’ont pas tenu les promesses du rêve américain pour les pionniers qui s’emparent d’une terre à exploiter au milieu du XIX siècle, dotée d’une simple cabane en terre crue faute de forêts ou de bosquets, d’un maigre bétail victime des épidémies, de récoltes souvent ravagées provoquant d’épouvantables famines. Le colon venu souvent seul défricher son lopin de terre n’a alors qu’une obsession, trouver en ville une femme à épouser pour la ramener dans cet enfer de précarité en lui faisant miroiter une concession juteuse, l’engrosser pour avoir une marmaille autour de soi, précocement mise au travail du champ ou du logis selon le sexe. Les visites d’un pasteur itinérant qui s’efforce de consoler ses ouailles de leurs plaies et de faire lien entre les colons au temple, n’ont pas empêché trois femmes de fermiers, issues de régions plus hospitalières, parfois depuis le Nord de l’Europe, anéanties par les conditions de vie frustres, de sombrer peu à peu dans la névrose ou l’autisme, des pathologies aux effets pervers, auto-mutilations purificatrices, hystérie agressive ou infanticide du nourrisson… La petite colonie décide lors d’un office de confier ces malades à un asile d’aliénés à l’Ouest, aux confins du fleuve Missouri, en Iowa.

The homesman, le « rapatrieur » relate la longue et dangereuse aventure du convoyage de ces malheureuses sous la conduite de Mary Bee Cuddy (Hilary Swank), une jeune pionnière ancienne institutrice aussi rude à la tâche que raffinée culturellement mais dont la nature dénote dans un milieu mal dégrossi, singulière dans sa communauté, qui se désespère dans l’isolement de son célibat mais attentive aux autres en raison même d’une grande piété. Moyennant la promesse d’une importante rétribution, Mary s’adjuge l’assistance d’un boucanier de l’ouest américain Georges Briggs (Tommy Lee Jones) qu’elle délivre d’une pendaison. Le sexagénaire intriguant puni d’avoir fait main basse sur la propriété d’autrui s’engage à tenir les rennes de ce saugrenu attelage sanitaire et le fusil si nécessaire; De toute façon, à qui d’autre se fier dans un univers aussi vaste marqué par des confrontations encore primitives entre les humains!

Traversé de quelques séquences cocasses à la manière des frères Coen, le récit de Jones se veut comme une mise en abîme du mythe de la frontière de l’ouest américain, construit sur un déni d’humanité au nom de l’idéal masculin de domination des terres, un combat que Mary l’incomprise au cœur pur partage, déséquilibrée par son obsession de vaincre un célibat illégitime. Mais sur le terreau du sacrifice de ces défricheurs, une nouvelle Amérique émerge. There will bee blood l’avait déjà montré, les églises préparent les esprits et le monde des affaires pourra prospérer, porte drapeau d’un nouveau mythe, le progrès. Ici, une ville nouvelle va s’édifier en plein désert source de bonus confortables pour les futurs investisseurs. Exclu de ce paysage urbain en gestation, Briggs, la canaille, au total moins égoïste que bien des nantis fera parler le feu justicier de Sodome et Gomorrhe.

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Un beau dimanche

19 février 2014 par Jacques

Réalisé par Nicole Garcia

Avec Louise Bourgoin, Pierre Rochefort, Dominique Sanda..

Baptiste (Pierre Rochefort), élégant trentenaire et instituteur modèle, au naturel empathique vis à vis de ses élèves de CM2, s’apprête néanmoins à quitter son poste, incurable remplaçant au sein de l’éducation nationale, qui ne souhaite pas se ranger. De sa fenêtre, en soirée, il aperçoit Mathias, un élève esseulé à la porte de l’établissement qu’il conduit en scooter chez son père, un ibère brutal que cette garde dérange. Baptiste propose alors d’héberger l’enfant qu’il emmène le lendemain, à la plage de Palavas les flots à la rencontre de Sandra (Louise Bourgoin) la maman.

Dans sa jupette de serveuse de restaurant, le corps orné de deux tatouages glissants sur l’épaule souvent dénudée et sur l’avant-bras, une revendication d’auto-promotion outrecuidante, Sandra est aussi mignonne que déréglée par son aptitude à faire les mauvaises rencontres, à opérer les mauvais choix. Pour l’heure elle est menacée sur son lieu de travail pour une dette de cinquante mille euros contractée hors des canaux officiels, gaspillée dans l’aventure avortée d’un restaurant thaïlandais.

Fuir ses créanciers aux méthodes viriles, Baptiste invité avec Mathias à passer le week-end dans un bungalow sur la plage, l’en dissuade se proposant, en bon samaritain, d’aider à mettre un terme à la précarité et à l’égarement maternel. Mais il lui faudra franchir le monumental portail d’un luxuriant domaine quelque part en Hérault en surmontant d’inextricables velléités.

Un thème cinématographique de prédilection: Nicole Garcia scrute les relations familiales à travers les retrouvailles mouvementées d’une fratrie sous les ors d’une gentilhommière. Si le précipité résultant de la confrontation n’atteint pas la radicalité corrosive du chef d’œuvre de Thomas Vinterberg, Festen, l’esprit de clan cependant en prend pour son grade face à la la question iconoclaste des limites de la liberté de chacun en son sein. Les grandes familles peuvent instaurer en effet des lois qui préservent leur situation de fortune et leur rang en faisant fi des individualités. L’héritage confère alors un droit naturel à la richesse mais aussi le devoir d’y contribuer. A la bibliothèque, le conseil de famille forme un rituel qui éloigne les affects et perpétue la dynastie. Celui qui veut se déprendre de sa caste tend à méjuger ses semblables et encourt ipso facto le châtiment d’être jugé à son tour et condamné.

La réalisatrice, dont la caméra caresse très souvent son sujet, capte ainsi l’aménité des regards échangés entre Baptiste et Sandra qui questionnent le rapport amoureux, s’érige en dentellière en incorporant à la réflexion, la quiétude des paysages et affiche une capacité étonnante à typer d’emblée les personnages, la figure maternelle (Dominique Sanda, magistrale), reine de douceur et d’auto-suffisance et projection peut-être d’une forme de gémellité avec la cinéaste, le frère aîné patriarcal à souhait, quelques languedociens patibulaires. Mais on ne saura rien du devenir de ce couple atypique, formé un beau dimanche, au croisement de deux identités en fragile reconstruction, et surtout, des tribulations du gamin, à moins que le générique de fin ne délivre la clé de l’histoire:

Category comédie dramatique | Tags: | No Comments
The immigrant

9 janvier 2014 par Jacques

Réalisé par James Gray

Avec Marion Cotillard, Joaquin Phoenix, Jeremy Renner…

Petit fils Fils d’immigré Russe, James Gray consacre son dernier long métrage à la représentation de l’immigration européenne aux États-Unis, un thème à la fois constitutif de sa propre identité et au fondement de la civilisation américaine. Et le constat politique est sévère: le mythe d’une Amérique accueillante et éclairant le monde de ses valeurs est mis en pièces, le parcours sombre d’une jeune immigrante révèle une société désolidarisée où la corruption règne en maître au détriment des plus faibles, où l’argent roi est indispensable pour acheter sa liberté, l’argent gagné par tous les moyens, ou volé par la soubrette comme le policier véreux et raciste, tabassant un «sale youpin». En somme, la statue de la liberté qui trône à l’embouchure de l’Hudson (sous la brume) ne serait que le faux nez d’un pays livré au non droit, à la compromission et au règne du chacun pour soi…

Deux sœurs orphelines et fusionnelles, Ewa et Magda fuyant la Pologne et ses pogroms débarquent à New York en 1921 parmi des milliers d’immigrants regroupés tel… un cheptel à la sélection. L’arrivée sur la terre promise apparaît semée d’embûches: Magda réputée malade est mise en quarantaine dans une cellule d’Ellis Island et sa sœur menacée d’expulsion faute d’une adresse d’accueil crédible. Familier de ce terminal portuaire regorgeant de néophytes misérables et sans défense. Bruno (Joaquin Phoenix) un prédateur, repère pour les besoins de son commerce, une beauté isolée et fragilisée après avoir monnayé le scénario noir. Il emmène Ewa (Marion Cotillard) dans un cabaret offrant en attraction des saynètes de filles dénudées, une atteinte aux bonnes mœurs tolérée dans un contexte de prohibition, avec la complaisance des principaux clients, bourgeois égrillards et débauchés.

Malmenée dans le cargo en proie à la promiscuité et piégée à terre, Ewa renonce à défendre sa chasteté condamnée à réunir une grosse somme d’argent pour libérer sa sœur, son idée fixe, sacerdotale. Le magicien Orlando (Jeremy Renner) qui n’a d’yeux que pour la jeune femme, lui offre une planche de salut inaccessible, la lointaine Californie. Une proposition témoignant d’un amour sincère ou d’une envie de contrecarrer les desseins de Bruno, son cousin, rival artistique et en séduction.

Mais aussi funeste soit le destin, il n’est jamais entièrement désespéré: la femme pécheresse au visage de Madone parle la langue, signe d’une volonté d’intégration et refuse de capituler même en découvrant la dissolution des liens du sang avec les compatriotes parvenus. Tenir à autrui plus qu’à soi permet-il d’être sauvée, d’offrir la rédemption à la sortie de ce drame du début du vingtième siècle? Le volontarisme individuel triomphant de l’arbitraire est l’autre versant du mythe américain. James Gray rend hommage au réalisme social d’un Fellini, la séquence du pugilat jusqu’à la sortie de prison rappelle directement l’antagonisme du fou et de l’hercule de foire du film la strada, et Bruno au visage anéanti par l’aveu de sa culpabilité égale en intensité le masque de Zampano, dans la magistrale scène finale révélant un monstre éprouvé par un sentiment d’humanité. Invitée sur scène à exprimer son rêve d’Amérique, Ewa essuie un tombereau d’injures: c’est la plus chaude…, un dollar en levrette…, viens t’asseoir sur mon phare, liberté…, «rôle» qu’elle personnifie en tenant une lampe de mineur! Dans le droit fil des récits de Dickens ou Zola, le cinéaste développe la parabole d’une violente gestation, celle d’une petite polonaise angélique et vaillante qui traînée dans la boue, se relève intacte dans sa foi et ses valeurs, donnant la leçon à son diabolique mentor et finalement à sa terre d’asile.

Category Drame, Social | Tags: | 2 Comments
Pas de printemps pour Marnie

16 novembre 2013 par Jacques

Réalisé par Alfred Hitchcock

Avec Tippi Hedren, Sean Connery, Diane Baker…

Aucun cinéaste n’a su mieux qu’Alfred Hitchcock concevoir un film comme une projection onirique (la maison du Docteur Edwardes), filmé les travers psychiques (Psychose), le désir ou la peur (les oiseaux). L’art cinématographique est le résultat d’un processus au terme duquel le comportement physique des personnages à l’écran doit suggérer aussi un univers mental permettant au spectateur à travers les émotions ainsi incarnées de s’identifier au récit. C’est dans le film sorti en 1964, «pas de printemps pour Marnie» que l’analyse des manifestations de la psyché va trouver son meilleur terrain d’expression. La séquence introductive d’emblée, s’apparente à la projection d’un véritable rêve, un pur fantasme: sur un quai de gare silencieux et étrangement déserté, une femme de dos, chevelure d’ébène, drapée d’élégance dans un tailleur gris, portant valise et sac jaune, couleur de la trahison, serré contre l’aisselle, s’éloigne comme une apparition chimérique s’il n’y avait surmontant les talons aiguilles, la chair vivante de ses mollets.

Sitôt l’employeur dépouillé de sa trésorerie, l’héroïne change d’identité, d’apparence et de rôle en vue d’un nouveau larcin. En chevauchant sa jument Forio, la créature devenue blonde se libère d’une parenthèse de bonheur complice, avant de rendre visite au domicile maternel dans une ruelle dominée par la présence à quai, d’un sombre, pesant et emblématique cargo. Jessie, la petite voisine qui lui ouvre la porte a visiblement supplanté son aînée et en profite sournoisement. Appuyée sur une canne, la mise en pli forcée, la maman reçoit Marnie sa fille, avec une morne gouaille, dénigrant la coiffure ou le panier percé et le cadeau, une cravate en vison, ne parvient pas à établir une légitime connivence. Marnie qui se sent mal aimée essaie courageusement de comprendre les raisons du blocage affectif, mais une gifle clôt la discussion, la renvoyant à l’enfance, à son traumatisme, au secret familial enfoui.

Marc Rutland qui a deviné l’employée indélicate d’un de ses fournisseurs, favorise toutefois son recrutement au sein de la maison d’édition dont il est copropriétaire, intrigué par l’élégance stricte et le charme sobre nimbés de propos si parfaitement affabulateurs. Au travail, Marnie a l’attention rivée sur le grand coffre fort vert du bureau directorial, son tapis de chance et la découverte de la combinaison appelée à satisfaire un irréfragable désir de s’adjuger une opulente liasse de billets de banque. A l’occasion d’un travail de secrétariat un samedi après-midi, son allure racée autant que ses répliques ironiques impressionnent Marc: ce trentenaire viril et veuf, passionné de zoologie testerait-il sa capacité de séduction sur l’impassible beauté à l’aspect virginal dans ses vêtements blancs! Un orage violent incendie le ciel et Marnie, tétanisée révèle alors le visage de la peur incontrôlée et paralysante, une fragilité soudaine qui la rend plus mystérieuse encore et plus attirante. Définitivement conquis, Marc invite la jeune femme à sa passion, le champ de course, écartant en protecteur un inopportun qui croit avoir reconnu Peggy Nicholson, et la visite surprise de la propriété familiale à l’heure du thé parachève le déploiement de la panoplie amoureuse.

La séquence du fric frac dans l’immeuble Rutland déserté manipule le spectateur en calibrant un suspense tout entier favorable à l’héroïne : la femme de ménage arrivée à l’étage, poussant la serpillière, va-t-elle surprendre la voleuse qui s’échappe discrètement du bureau, le sac à main bourré de coupures, ses hauts talons en poche dont l’un s’échappe d’avantage à chaque pas, pour tomber sur le carrelage, rompant l’ oppressant silence d’un grand bruit, sauf pour la dame heureusement âgée et sourde! La promenade à cheval rituelle d’après larcin est cette fois écourtée par Marc en personne, furieux d’avoir ainsi perdu la face, une sensation inconcevable pour ce dominant doté d’un flair exceptionnel, qui a fait diligence pour retrouver la fugitive, à partir de maigres indices dans le tissu des mensonges. Et le profil particulièrement complexe de la proie éveille chez le chasseur l’instinct d’apprivoisement: Marnie est bel et bien contrainte au mariage pour éviter la prison.

Dans la soirée qui suit les noces sur un bateau de croisière, Marnie qui avait prévenu de sa différence, n’accepte pas d’être touchée. Son attitude virginale n’est pas feinte, l’élégance vestimentaire jusqu’à la robe de nuit fermée au cou est une protection contre l’atteinte sexuelle. Un soir, lassé d’être tenu à distance du lit conjugal, Marc accule son épouse à l’étreinte qu’elle subit dans un état cataleptique. Au petit matin, cet affront dégradant, insupportable, manque de peu d’être effacé à jamais mais Marnie est sauvée de la noyade. La chasteté devient la règle de conduite forcée du couple et la vie conjugale, un étau qui se resserre obligeant Marc à parer au danger d’une dénonciation par un client grugé, et à s’ériger en thérapeute. Réveillée par un cauchemar récurrent, la jeune femme accepte crânement de se livrer à un exercice de libre association, aiguille, épingle, eau, bain savon et Marc, peu ému par le ton cassant auto-protecteur (occupe toi de ta santé mentale) triomphe de l’aplomb factice car les mots sexe, rouge, suscitent la perte panique du contrôle de soi.

Participant à une chasse à cour, Marnie sera une nouvelle fois victime des effets de sa névrose. Terrifiée par la mise à mort du renard, la couleur rouge sang des redingotes, elle s’enfuit, emballant sa jument qui se brise les pattes avant en franchissant un haut muret. La cavalière s’empare d’un pistolet, abat l’animal, et dans un état second, schizophrénique, veut fuir la situation en dévalisant le coffre des Rutland, mais sans pouvoir cette fois, se saisir des billets, paralysée par l’inhibition des facteurs déclenchant, la haine des hommes et la peur du manque! Au domicile de la mère de Marnie, prétendue morte, la confrontation avec Marc tourne à l’affrontement si violemment que Marnie, blottie au pied de l’escalier, de sa voix d’enfant de cinq ans, dans un état quasiment hallucinatoire, revit cette nuit d’orage occultée du meurtre d’un jeune marin. Catharsis rédemptrice, libérée de son traumatisme d’enfant, de sa posture de chasteté destinée inconsciemment à capter un amour maternel refoulé, Marnie peut espérer écarter le risque de poursuites judiciaires avec l’aide de son époux. Tandis que leur voiture démarre, sous les regards fixes d’un groupe d’enfants interrompant leur jeu, sur fond d’équipements portuaires, une sourde menace semble encore planer!

Pas de printemps pour Marnie a pris place dans l’histoire du cinéma comme un film majeur d’intrigue psychologique, une aventure au cœur de la psychanalyse ayant pour sujet la névrose d’une jeune femme cleptomane et sa difficile guérison, l’idée fixe du mari. Mais à considérer la multiplication des plans sublimant la blonde Marnie, associant coiffures et robes splendides, l’image néfaste et étouffante de la mère soulignée aussi dans psychose, celles particulièrement dérangeantes de la petite Jessie, ou des enfants chantant une comptine à la fin du scénario, on peut légitimement s’interroger aussi sur les obsessions propres au maître du suspense, ses désirs, son animosité, son intolérance… De Tippi Hedren la nouvelle Grace Kelly qui refusa ses avances, il brisa la carrière sur laquelle il détenait contractuellement les droits exclusifs. Les métiers du regard peuvent engendrer parfois, des formes d’aliénation…

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Mon âme par toi guérie

8 novembre 2013 par Jacques

Réalisé par François Dupeyron

Avec Grégory Gadebois, Céline Sallette, Jean-Pierre Darroussin…

Dans l’œuvre cinématographique de François Dupeyron la lumière céleste, est révélatrice souvent des disharmonies terrestres, les rayons du soleil apposent leur crudité sur des êtres humains assombris et désorientés. L’enjeu du film «c’est quoi la vie!» est de retrouver l’équilibre perdu entre le paysan et son milieu naturel sacrifié par la génération des pères: le soleil parfois, n’éclaire pas les hommes vainement, le fils surmonte la déchéance paternelle et parvient en considérant le monde qui l’entoure d’un œil nouveau à faire renaître la ferme abandonnée du grand-père à l’aide des vrais outils, la grâce et l’élan du cœur. «Mon âme par toi guérie» s’inscrit dans la même veine paradoxale: c’est sous un ciel radieux de bord de mer que les individus s’isolent et dépérissent.

Fredi (Grégory Gadebois) a ainsi hérité de sa mère défunte le don de guérir par l’imposition des mains, mais refuse de soigner les vivants sauf peut-être la couronne des arbres comme élagueur professionnel. Tel Jonas fuyant la mission divine, Fredi s’est enfermé dans une prison mentale traversée de violentes crises d’épilepsie, dont il n’échappe qu’au prix d’une épreuve. Un soir, sa moto percute un enfant. S’il échoue à sortir la victime d’un coma désespéré, son fluide naturel parvient à stopper l’hémorragie d’un usager d’une piscine et il devient guérisseur moyennant un retournement responsable. Il se heurte à Nina (Céline Sallette) une attirante jeune femme à la dérive tant sa personnalité s’est diluée à travers les projections de son défunt mari artiste peintre et qui comble le vide de son existence par une ivresse au champagne dans sa tournée quotidienne des débits de boisson. Comment retrouver dans le ressort cassé de l’existence, la confiance et l’humanité perdue et reprendre pied face au soleil qui invite à la joie!

A l’image du jour succédant à la nuit, François Dupeyron nous montre que chaque vie terrestre est parcourue de moments sombres où la villa luxueuse comme le mobil-home désertés par les sentiments, deviennent de sinistres tombeaux. La fausse convivialité des bars, la douce euphorie alcoolisée servent alors d’artefact. Comme pour les gueules cassées de «la chambre des officiers» une nouvelle donne n’est jamais exclue toutefois. Les protagonistes de «mon âme par toi guérie» qui se parlent, s’écoutent et se comprennent s’ouvrent à la tendresse et à la luminosité. Grégory Gadebois, rebouteux qui se révèle et prend confiance et Céline Sallette, prodigieuse en égérie détruite par l’alcool conjuguent une admirable qualité d’interprétation.

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Alabama Monroe

17 octobre 2013 par Jacques

Réalisé par Félix Groeningen

Avec Johan Heldenbergh, Veerle Baetens…

Née dans la traversée des grandes plaines, à la chaleur des feux de camps des pionniers américains en attente de la terre promise, la musique country invite à la danse, à la valse des chopes de bière, à la convivialité. Dans l’ambiance enfumée d’une salle de concert, Elise, tatoueuse professionnelle aussi aérienne et étoilée que son propre corps aux tatouages multiples reflétant rêves ou tranches de vie, est conquise par le chanteur et joueur de banjo d’un groupe de bluegrass Belge, Didier, venu le matin même courtiser la jeune artiste dans son salon, pareillement fasciné par elle.

Dans le décor rustique d’une ferme en rénovation, peuplée d’animaux chers à la culture paysanne des pères fondateurs de la country, Hank Williams ou Bill Monroe, le géant bricoleur et la pétulante jolie blonde vivent une passion enthousiaste et bientôt, fusionnelle. Et le timbre de voix d’Elise se marie si bien aux rythmes du groupe qu’elle devient chanteuse en intégrant la tournée des concerts.

La naissance de la petite Maybelle est célébrée par le fraternel orchestre à la mode cajun, dans l’allégresse, puis l’enfant reine absolue du couple, étrenne ses premières bottes de quadrille à l’âge de 4 ans. Mais parfois, l’oiseau est fauché en plein vol par un obstacle inattendu: dans la nature, la grâce du vivant côtoie aussi l’épreuve mortelle. La fillette révèle à l’âge de 6 ans, les symptômes d’un cancer de la moelle osseuse. Les chimiothérapies successives échouent et seule une greffe de cellules souches pourrait sauver l’enfant d’un couple aux abois. Mais la recherche n’a pas dépassé le stade embryonnaire.

Alabama Monroe mesure la désagrégation d’un amour absolu heurté de plein fouet par la tragédie. A l’image de leurs héros jusqu’au-boutistes et peu enclins à la normalité, les réactions à la souffrance et à la culpabilité prendront les formes les plus radicales. Le père meurtri invectivera en plein concert devant un public muet, Georges W Buh, les créationnistes américains et Dieu, bref l’intégrisme religieux hostile au développement de la recherche sur les cellules souches, dont le financement acquis par décret du Sénat américain fut bloqué en 2006, par veto présidentiel! Effondrée par cet étalage de l’intime blessure, la maman retournera contre elle même, la violence de son sentiment de dépossession et l’échec de ses tentatives de communion céleste avec l’esprit de sa fille.

La bluegrass country, véritable levain du couple en gestation, se révèle d’un alliage insuffisant pour souder les bases d’un nouveau départ de la vie conjugale brisée. C’est pourquoi cette musique possède dans sa tessiture même, mêlé à l’expression des gaies cabrioles, l’ écho des souffrances profondes. Une histoire belle et brutale comme la vie même, découpée sur le mode du retour en arrière, en séquences secouant le chaud et le froid, le burlesque et le drame et incarnée par deux interprètes particulièrement inspirés par des rôles entiers et un répertoire musical de grande valeur.

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La strada

6 août 2013 par Jacques

Réalisé par Federico Fellini

Avec: Anthony Quinn, Giulietta Masina, Richard Basehart…

Dans le tissu de la mémoire d’un cinéphile, quelques dizaines de chefs d’œuvre seulement laissent l’empreinte indélébile de quelques scènes, résumant à elles seules l’alchimie singulière d’un récit et son interprétation. Le cinéma offre ainsi ces séquences uniques en agissant sur les cordes sensibles de nos émotions. La scène finale de la strada projeté en 1955 appartient à la mythologie du septième art. C’est une séquence de détresse instinctive, à la splendeur inégalée. Chassé d’un bistrot sans ménagement, la nuit venue, Zampano (Anthony Quinn) titube sur le sable jusqu’à la marée pour laver son visage tuméfié. Brisé par l’ivresse, il tombe à genou, jette au ciel et alentours sa face sauvage et désemparée mais n’entend que le silence et, submergé par le chagrin, le rustre solitaire pour la première fois sanglote.

Quelques années plus tôt, sur une plage de dunes, l’aînée d’une famille très pauvre, Gelsomina (Giulietta Masina) interrompt sa cueillette de joncs de mer pour partir sur les routes avec cet hercule de foire venu stipendier un faire valoir pour son numéro, et le pécule inespéré versé à la mère indigente nourrira pendant quelques semaines la jeune fratrie. Simple et ingénue, la jeune femme qui parle aux arbres et écoute pousser les artichauts, embarque dans une vieille roulotte-moto pour accomplir son rêve de devenir saltimbanque, comme sa sœur aînée, disparue. Mais son compagnon, habile bonimenteur dans son numéro de briseur de chaînes, de bourgades en bourgades, se révèle aussi frustre que grossier, buveur et débauché.

Chaque rencontre est pour lui, l’occasion de manigances et pour la candide jeune femme, source d’émerveillement. L’attachement qu’elle manifeste pour son primitif geôlier ressemble à un acte de contrition (si je ne reste pas avec lui, qui restera!), et par fidélité responsable (même un caillou est utile!), elle renonce aux prémices d’un bonheur entrevu dans un cirque ambulant ou dans un couvent ayant offert l’hospitalité à cet étrange attelage. Au fil du temps, la jeune incrédule s’érige en vrai clown et en trompettiste douée, reproduisant la mélodie fétiche du cirque: do, si do si mi… entendue au violon interprétée par le fou (Richard Basehart) acrobate, funambule et facétieux inspirateur, croisé sous un chapiteau, à Rome.

Mais la femme objet n’appartient qu’à Zampano soudain jaloux et possessif. Sa haine pour ce rival qui brocarde en public le numéro de force, s’accentue jusqu’au désir d’en découdre et d’effacer les humiliations et les moqueries avec les poings voire au couteau. Le drame surviendra comme par accident et la flamme qui animait la cervelle candide de Gelsomina s’éteindra jusqu’à l’inéluctable. Un matin d’hiver, à la sauvette, le forain abandonne sa partenaire, lassé de voir sur sa mine défaite, le poids de la culpabilité.

Réalisé par Federico Fellini, la strada nous plonge dans le milieu contrasté du cirque ambulant qui sillonne l’Italie de l’immédiat après-guerre, avec d’un côté les numéros de rue, tours de force, d’acrobaties et duo de clowns, n’offrant qu’un rude moyen de gagner sa vie et de l’autre, les attractions rassemblées sous chapiteau, drainant un public plus large. Mais la magie développée n’est qu’apparente entre des artistes aux potentiels inégaux et aux liens tourmentés. Avec la force comme seul atout, Zampano n’est qu’une brute taciturne indifférent à la générosité innocente de sa partenaire prédisposée à la poésie et au baroque du métier de saltimbanque. Le goût du risque inconsidéré y compris dans la provocation pour le fou, le sens du sacrifice et de sa propre éphémérité pour celle qui aurait pu devenir étoile et la tendance à rechercher l’abêtissement chez le dernier des protagonistes forme la matrice de ce drame évocateur du caractère absurde qui préside parfois aux destinées humaines..

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Kapo

20 juillet 2013 par Jacques

Réalisé par Gillo Pontecorvo

Avec Susan Strasberg, Laurent Terzieff, Emmanuelle Riva…

Les épouvantables fractures génocidaires qui ont jalonné le cours des civilisations n’ont pas vocation à demeurer pour leur exégèse, le champ clos des historiens, des philosophes ou des juristes. D’où vient pourtant cette frilosité des arts populaires à interpréter la réalité des massacres de masse en Amérique, en Arménie, ou dans l’Allemagne nazie de la solution finale? De la difficulté peut-être à trouver l’angle juste au regard d’un sujet dont l’ampleur n’autorise aucune trahison! Gillo Pontecorvo en tous cas fut un des très rares cinéastes à se confronter à la Shoah en réalisant Kapo, sorti en 1961. C’est une œuvre de fiction bouleversante qui dans dans sa première partie transporte le spectateur dans l’horreur du camp d’Auschwitz empilant avec force les séquences comme des flashs sinistres d’images d’archives.

Edith (Susan Strasberg), parisienne de 14 ans marquée de l’étoile jaune est raflée avec ses parents et entassée dans un convoi comme les nuits et brouillards. A son arrivée au camp, elle échappe à la chambre à gaz avec l’aide d’un prisonnier médecin qui lui attribue l’identité d’une détenue de droit commun, décédée. Elle devient Nicole, préposée aux durs travaux forcés de pose de rails de chemin de fer. Elle s’abîme les mains et n’échappera pas à la sélection des inutilisables ni à son élimination sauf qu’au lieu de montrer ses paumes meurtries, elle découvre sa poitrine, un stratagème qui subvertit les préposés à la visite médicale. Mais Nicole encore vierge doit accepter une invitation à la baraque des officiers comme prostituée et parachève son instrumentalisation par le système concentrationnaire en devenant une kapo à la veste noire, chargée de l’encadrement à la schlague des prisonniers réduits à l’état de troupeau. A la différence de Thérèse (Emmanuelle Riva), Nicole s’est murée dans l’indifférence animale à la souffrance des siens depuis le premier soir où elle entrevit ses parents parmi d’autres prisonniers poussés nus vers la mort. Elle parfait même la mésalliance en sympathisant avec un de ses bourreaux, pour sauver sa peau et manger à sa faim.

Mais l’arrivée au camp d’un groupe de prisonniers Russes est le signe annonciateur de changements, en éveillant l’espérance d’une libération collective par l’armée rouge en même temps qu’une idylle se noue entre la kapo et un jeune soldat ténébreux et rebelle, Sasha (Laurent Terzieff). Le ressort classique du sentiment amoureux suffit à lézarder la cuirasse d’insensibilité à autrui condition de la survie et ouvre à l’héroïne les portes du sacrifice et de la rédemption.

Kapo met en scène les rituels de la barbarie ordinaire dans un camp de concentration avec une tonalité digne d’un quasi documentaire adossé aux portraits sombres et ambivalents de prisonniers et d’auxiliaires des nazis. Cette alchimie propre au talent de Pontecorvo culminera avec son chef d’œuvre, la bataille d’Alger, exemplaire d’impartialité dans la transposition historique. Cette osmose idéale entre fiction et réalité issue du néo-réalisme italien s’éteint dans les années soixante sous l’influence du cinéma américain soucieux de faire disparaître des écrans un affichage trop violent des souffrances du corps social, sa paupérisation de nature à frapper la conscience politique, au profit d’une industrie du loisir plus en phase avec le système capitaliste.

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The land of hope

21 juin 2013 par Jacques

Réalisé par Sion Son

Avec: Isao Natsuyagi, Jun Murakami, Megumi Kagurazaka…

Au village de Nagashima dont le patronyme sous entend celui des agglomérations irradiées en 1945, deux voisins, producteur de lait et maraîcher préparent leurs expéditions en famille quand survient un tremblement de terre aux effets domestiques mineurs, meubles renversés et vaisselle cassées mais aux dégâts industriels majeurs, un champignon de fumée de sinistre mémoire exhalant de la centrale nucléaire qui a explosé à l’horizon. Aussitôt les autorités installent dans l’urgence une barrière et un cordon sanitaire dans un rayon arbitraire de 20 kilomètres qui coupe le village en deux et en deçà duquel il faut évacuer. L’éleveur décide de rester sur ses terres, auprès de ses arbres, avec son épouse à la raison chancelante, résolu à subir jusqu’au terme une destinée maudite dans un environnement dont il a pressenti avant tous, le caractère fatal. Mais il commande, en patriarche protecteur, à sa belle fille enceinte et à son jeune fils de fuir les lieux du sinistre , en leur léguant ce qui n’a plus de sens sur place, l’instrument qui déjoue toutes les rhétoriques officielles, un compteur geiger.

Le jeune couple se résout à l’errance des réfugiés hébergés d’urgence dans la promiscuité des gymnases, lieux de concentration de toutes les peurs, les frustrations et les rancœurs. Là où un employé de la centrale, devient l’idéal bouc émissaire, les autorités censées répondre au besoin d’information, brillant par leur absence. L’individu pris à partie se défend en invoquant un modèle de société où chacun exige sa plaque de cuisson électrique. Ainsi confinée, l’angoisse s’estompe et la normalité retrouve ses droits lorsque chaque famille est dotée d’un appartement décent équipé d’une télévision qui rassure de ses émissions lénifiantes. Alors il est conseillé à tous d’enlever le masque, de respirer, de circuler et de consommer sereinement! Seule la future maman qui, avertie des risques de contamination du lait maternel par le césium et documentée sur les méfaits de la radioactivité fait de la résistance, en circulant en ville, au supermarché, équipée d’une combinaison étanche.

Enclin à s’aligner sur le conformisme généralisé des habitants, c’est à dire à considérer l’accident clôt tel un mauvais cauchemar dans la perspective d’une vie renouvelée, débarrassée avec le temps passé, des miasmes du sinistre, le mari toutefois finira par se ranger à la sagesse paternelle et à la prudence féminine en fuyant à l’autre extrémité du pays, persuadé grâce au crépitement de son appareil, d’une stratégie officielle du mensonge qui assure la paix sociale face aux méfaits du nucléaire.

Dans un Japon insulaire, rien n’échappe de fait à la pollution radioactive, le film révélant cette vérité que seules découvrent les familles opiniâtres. La terre est définitivement contaminée et les habitants quoi qu’ils fassent subiront les plus néfastes conséquences de cette invisible pollution. Passée sous silence depuis Fukushima, l’augmentation du nombre de cancers du foie ou de la thyroïde ne préoccupe semble-t-il qu’une minorité équipée de détecteurs, mais y a t-il vraiment une autre alternative que de vivre avec la radioactivité présente même là où on se croit à l’abri! Le conformisme majoritaire, cette politique de l’autruche, ne serait en définitive que l’autre versant d’un sentiment commun à tous, la résignation.

The land of hope mêle à ce noir constat des images étonnamment souriantes, celle enchanteresse de ces vieux parents venus dans les ruines de la ville irradiée, danser comme jadis, la danse des morts, une ode aux semailles et à la germination, celle touchante d’une demande en mariage dans la fantasmagorie des décombres, celle irréelle d’ enfants en quête d’un disque des Beatles dans les maisons dévastées. L’action des autorités confine toujours à l’absurde et au ridicule comme cet ordre transmis à l’éleveur réfractaire d’abattre un troupeau d’une soixantaine de vaches, un massacre inconcevable dans une étable modèle, que le spectateur de verra pas mais qui condamne le fermier victime d’une si violente dépossession au suicide avec son épouse.

Le film de Sion Son apparaît comme le fidèle décalque du drame de Fukushima où furent minimisés par les autorités dépassées par l’ampleur du sinistre, les impacts de la contamination pour la population. Depuis, les normes de protection environnementale ont été relevées, piètre rempart contre l’appétit des promoteurs d’industries pourvoyeuses de si modernes bienfaits aux effets potentiellement malfaisants: l’enfer est souvent pavé des meilleures intentions!

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